Brancusi y la Anatomía Artística

Comparto aquí una fotografía del sector del taller de Brancusi dedicado al estudio de la Anatomía Artística y aprovecho para recomendarles el excelente libro "Brancusi y la fotografía" de Editorial H Kliczkowski, que contienen fotografía tomadas por el mismo Brancusi en su propio taller, de sus obras y de los rincones de trabajo.

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Utagawa Kuniyoshi (1797 - 1861)

Utagawa Kuniyoshi (1797 - 1861) fue uno de los últimos maestros japoneses de la técnica del ukiyo-e en la impresión xilográfica y pertenecía a la escuela Utagawa.

Biografía

Kuniyoshi nació en 1797, siendo hijo de un tintorero de seda y con el nombre original de Yoshisaburõ. Al parecer ayudó a su padre en su negocio y se sugiere que esta experiencia influyó en sus diseños textiles y en el uso del color en sus impresiones. Se dice que a la edad de siete u ocho años Kuniyoshi quedó impresionado por la vista de impresos sobre guerreros y los artesanos y plebeyos, lo que marcó su evolución posterior.

Yoshisaburõ demostró sus habilidades en el dibujo a la edad de doce años, atrayendo la atención del impresor Utagawa Toyokuni. Entró oficialmente en el estudio de Toyokuni en 1811 y se convirtió en uno de sus pupilos principales. Permaneció como aprendiz hasta 1814, cuando cambia su nombre por el nombre de Kuniyoshi y pasa a ser artista independiente. Durante ese año realizó su primera obra, las ilustraciones para kusazoshi gõkan Gobuji Chushingura, una parodia de la historia original de Chshingura. Entre 1815 y 1815, Kuniyoshi creó ilustraciones para libros para yomihon, kokkeibon, gokan y hanashibon, e imprimió de forma independiente sus dibujos sobre actores y guerreros.

A pesar de su comienzo prometedor, Kuniyoshi fue incapaz de crear muchas obras entre 1818 y 1827, debido probablemente a la falta de encargos de los editores y la competencia dentro de la escuela Utagawa. Sin embargo, durante ese periodo, realizó impresiones de mujeres bijinga y experimentó con patrones textiles y efectos de luz y sombra del arte occidental, aunque sus intentos mostraban más imitación que compresión real de esos principios.

Su situación económica se volvió insostenible y tuvo que empezar a vender tatamis usados. Durante los años 1820, Kuniyoshi realizó trípticos heroicos donde se mostraban las primeras señales de un estilo propio. En 1827, recibió su primer encargo importante para la serie Tuszoku Suikoden goketsu hyakuhachinin no hitori, que estaba basada en un cuento popular chino, el Shuihu zhuan. En esta serie, Kuniyoshi dibujó héroes en solitario en hojas individuales, ilustrando los tatuajes de sus personajes, una novedad que influenciaría la moda de Edo. La serie Suikoden llegó a ser muy popular en Edo y se incrementó la demanda de impresiones de guerreros de Kuniyoshi, consiguiendo entrar en círculos literarios y de ukiyo-e.

Kuniyoshi continuó con sus impresiones de guerreros, dibujando sus personajes en cuentos de guerra como Heikei monogatari y Genpei seisuki. Sus dibujos eran únicos donde añadía, además de la figura del héroe, sueños, apariciones de fantasmas, presagios y habilidades sobrehumanas. Este tema está incluido en sus trabajos Taira Tomomori borei no zu y el tríptico Gojo no bashi no zu de 1839.

Durante las reformas Tempo de 1841 a 1843, se prohibieron oficialmente la ilustraciones de cortesanas y actores en el ukiyo-e y ello pudo haber influido en la producción de caricaturas (giga-e) de Kuniyoshi, que se utilizaban para disfrazar a actores y cortesanas reales. También servían como críticas simbólicas y humorísticas al Shogunato y se convirtieron en populares entre el público insatisfecho por la política.

Durante la década que siguió a las reformas, Kuniyoshi creó impresiones de paisajes (fukeiga), que estaban fuera de la censura y satisfacían el aumento de popularidad en el viaje personal. Entre sus obras destacan Sankai meisan zukushi, que incorporaba el uso de sombra y perspectiva occidentales y Tôto meisho que influenciaron al Fujaku sanjurokkei de Hokusai. También durante esa época, creó obras sobre la naturaleza, como animales, aves y peces, en que mimetizaba la tradición japonesa y la pintura china.

A finales de los años 1840, Kuniyoshi comenzó de nuevo la ilustración de actores, evitando la censura a través de retratos infantiles o caricaturas de actores de kabuki famosos, como el Nitakaragura kabe no mudagaki. En 1856, Kuniyoshi sufrió una parálisis que le impedía mover sus miembros con facilidad. Sus trabajos a partir de ese momento eran más débiles en el uso de la línea y menos vitales. Antes de su muerte en 1861, Kuniyoshi pudo presenciar la apertura del puerto de Yokohama a los extranjeros y en 1860 realizó dos obras representando occidentales en la ciudad. Kuniyoshi murió en marzo de 1861 en su casa de Genyadana.

Pupilos

Kuniyoshi fue maestro y tuvo numerosos pupilos que continuaron su rama de la escuela Utagawa. Entre los pupilos más notables se encontraban a Yoshitoshi, Yoshitora, Yoshiiku, Yoshikazu y Yoshifuji. Sus estudiantes comenzaban un aprendizaje en los que trabajaban en el estilo musha-e, similar al de su maestro. Cuando se convertían en artistas independientes desarrollaban sus estilos propios. Su estudiante más importante fue Yoshitoshi, considerado como el último maestro de la impresión xilográfica.

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Burne Hogarth (Chicago, 25 de diciembre de 1911 - París, 28 de enero de 1996) fue un autor de cómics estadounidense, conocido principalmente por su trabajo pionero con el personaje de Tarzán en las tiras de prensa. Además de ilustrador, fue profesor de dibujo y de historia del arte, escritor y teórico.

Durante décadas fue un profesor muy influyente y un artista visual conocido en todo el mundo, además de Tarzán, por su serie de libros de anatomía, a la que se menciona con frecuencia.

Infancia y juventud

Desde su infancia mostró un gran talento para el dibujo. Su padre, un carpintero, guardó estos primeros esfuerzos y, algunos años después, los presentó junto con su hijo al secretario general del Centro de Arte de Chicago. Aceptaron a Hogarth a los 12 años y así comenzó una larga educación formal que le llevó, estudiando arte y antropología, por instituciones tales como el Crane College y la Universidad del Noroeste (Chicago), así como a la Universidad de Columbia (Nueva York).

Primeros trabajos

En 1926, tras la prematura muerte de su padre, comenzó a trabajar como ilustrador para Associated Editors Syndicate. Su talento como dibujante y su educación artística le pusieron en contacto con las casas editoriales, y consiguió ganarse la vida con los sindicatos de los periódicos, editando y creando anuncios e ilustraciones en su adolescencia. Este trabajo resultó ser estable y, para 1929, un empleo crucial. Sus primeros intentos a la hora de hacer una historieta, Ivy Hemmanhaw (1933), para la Barnet Brown Company, tuvieron cierto éxito.

Conforme la Gran Depresión empeoraba, a instancias de sus amigos se trasladó a Nueva York, continuando su trabajo en la ilustración y edición de periódicos así como historietista. En 1934 comenzó a trabajar como ayudante para la King Features Syndicate, para la que realizó una serie de piratas de Charles Driscoll, titulada Pieces of Eight (1935).

Tarzán

En 1936 le llegó su gran oportunidad al ser designado sucesor de Harold Foster al frente de la página dominical de Tarzán, de United Feature Syndicate, que realizaría durante un total de doce años, de 1937 a 1945, y de 1947 a 1950; la interrupción se debió a su trabajo en otra serie, Drago, las aventuras de un gaucho en la Pampa argentina, que tuvo una vida efímera. En 1948, también para United Feature Syndicate, creó su única serie humorística, Miracle Jones.

En su trabajo con Tarzán se han observado influencias del manierismo —sobre todo en su tratamiento del cuerpo humano—, el barroco e incluso el expresionismo alemán y el arte chino, en lo que se refiere a la abigarrada composición de sus páginas, hasta el punto de recibir el apodo de «Miguel Ángel del noveno arte». Otorgó una agitación y un dinamismo inéditos en el resto de cómics de la época.1 En el catálogo de su exposición en el Louvre, se afirma que sus formas:

...se erizan, encrespan y organizan bajo cuatro esquemas de agrupamiento básicos: a) las puntas; b) las curvas; c) las radiaciones; d) los nudos.2

Teóricos como Salvador Vázquez de Parga consideran, sin embargo, que "El "Tarzán" de Hogarth sigue siendo uno de los cómics más fríos y aburridos que se han producido en América con imágenes más o menos espectaculares y un protagonista absolutamente ambiguo".3 Aún es más crudo al referirse a su alabado dominio de la figura humana

Hogarth convirtió a Tarzán en un ser feroz y respulsivo, en un monstruo de la selva deformado por sus exuberantes rasgos anatómicos, con tobillos delgados, pies pequeños, pecho amplio, cuerpo excesivamente musculoso, cabeza grande y ojos feroces rodeados de rayas negras que en ocasiones daban la impresión de enmascararlo.4

La docencia

Hogarth fue maestro casi durante tanto tiempo como artista profesional. A lo largo de los años, enseñó dibujo a una variedad de estudiantes en toda una serie de instituciones y, para el año 1944, Hogarth tenía pensada la creación de una escuela para los veteranos que regresaban de la segunda guerra mundial. El primer esfuerzo formal de Hogarth fue la Manhattan Academy of Newspaper Art (Academia de Manhattan de arte para periódicos), y para 1947 la había transformado en una Cartoonists and Illustrators School (Escuela de historietistas e ilustradores). Esta academia siguió creciendo, y en 1956 fue rebautizada nuevamente, como la School of Visual Arts (SVA, Escuela de Artes Visuales). Para entonces, Hogarth había abandonado el cómic para dedicarse preferentemente a la docencia. La SVA es actualmente la mayor institución de arte privada del mundo. Hogarth diseñó el currículo, trabajó como administrador, y enseñó todo un programa que incluía dibujo, escritura, e historia del arte. Fue en las clases de Hogarth en las que muchos artistas de la Edad de Plata del cómic aprendieron las avanzadas técnicas de dibujo que formaron un estilo definiendo el género de superhéroes de hoy en día.

Hogarth se retiró de la SVA en 1970 pero siguió enseñando en The Parsons School of Design (Escuela Parsons de Diseño) y, después de trasladarse a Los Ángeles, The Otis School (Escuela Otis) y The Art Center in Pasadena (Centro de Arte de Pasadena).

Durante sus años como docente, Hogarth escribió varios manuales de dibujo, centrados sobre todo en la anatomía, que se han convertido en libros de referencia estándar para diferentes artistas, incluidos los animadores por ordenador. Los primeros fueron Dynamic Anatomy (Anatomía Dinámica, 1958) y Drawing the Human Head (Dibujando la cabeza humana, 1965). A estos libros siguieron otros sobre la forma humana, como Dynamic Figure Drawing (Dibujo de figuras dinámico, 1970) y Drawing Dynamic Hands (Dibujando manos dinámicas, 1977) que completaron el ciclo sobre figuras. Dynamic Light and Shade (Luz y sombras dinámicas, 1981) y Dynamic Wrinkles and Drapery (Arrugas y telas dinámicas, 1995) exploraron otros aspectos sobre cómo representar la figura.

Últimos años

En 1972 regresó a la historieta y al personaje que le había dado celebridad con Tarzan de los monos, un libro de tapa dura de gran formato publicado por Watson Guptill en once idiomas. Marca el comienzo del sobrio volumen de ficción pictórica integrada, lo que actualmente se llama novela gráfica. Le siguió, cuatro años más tarde, Jungle Tales of Tarzan (1976), integrando técnicas que no se habían intentado antes como imaginería espacial oculta o negativa con temas de color inspirados en Goethe, para lograr una descripción visual armoniosa. Éstas serían sus últimas incursiones en la historieta.

Los textos de Hogarth forman la base de su perdurable y continua influencia dentro de la comunidad artística global y entre los lectores entusiastas.

Recibió muchos reconocimientos a su obra en los Estados Unidos, incluido el premio de la National Cartoonist Society (Sociedad Nacional de Historietistas) Advertising and Illustration de 1975, Premio Magazine and Book Illustration de 1992, y Premio Special Features de 1974, y docenas de premios internacionales. Se dedicó a la enseñanza, escribió, creó y teorizó lúcida y apasionadamente hasta sus últimos días; y durante décadas lo invitaron con regularidad a acontecimientos internacionales, frecuentemente como una estrella invitada.

Falleció en París, de un ataque al corazón, tras haber asistido al Festival del Cómic de Angulema, el 28 de enero de 1996, cuando tenía ochenta y cuatro años de edad.

Bibliografía

Su obra se ha reeditado una y otra vez, siendo una de las más recientes la de NBM Publishing. En España se han editado:

Drago : el barón Zodiac, Pala, 1973. ISBN 84-222-0201-8

Tarzán y la fuente fatal, Club de Amigos de la Historieta, 1987. ISBN 84-86401-19-4

Libros didácticos exclusivos:

El dibujo de la figura humana a su alcance (Dynamic Figure Drawing), Watson-Guptill Publications, 1970. Versión de Evergreen, 1996. ISBN 3-8228-8844-3

El dibujo anatómico a su alcance (Dynamic Anatomy), Watson-Guptil Publications,1958. Versión de Evergreen, 1996. ISBN 3-8228-8845-1

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Anatomía Artística - Musculatura del brazo.

Estudios para un sátiro

Estoy haciendo una pintura por encargo de un ser mitológico, el sátiro.

Aprovecho la oportunidad para hacer unos estudios de anatomía del dibujo de las piernas y la cadera de un ser mitad hombre y mitad carnero.

Este es el estudio miológico de las piernas.

Libro de Anatomía para bajar.

Les dejo el libro de Anatomía deportiva, con muy buenas ilustraciones para el dibujo de la figura humana,

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